Aquí una reproducción --algo ampliada-- de mi columna de Perú.21
Bertolt Brecht murió ilusionado con que el arte, igual que la ciencia, podía 'progresar', y que su frío y distanciado 'teatro épico' de la nueva 'era científica' habría de sustituir al nocivamente emotivo teatro aristotélico, tal como la electricidad sustituyó al carbón, los antibióticos sustituyeron a los 'desinfectantes de la sangre' y el comunismo habría de sustituir --así se soñaba entonces-- al caduco capitalismo. Brecht estaba, por supuesto, malamente equivocado.
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Madre Coraje y sus hijos es una pieza clave del teatro brechtiano que magistralmente dirige ahora Alberto Ísola en el Británico.
Entendemos como 'teatro brechtiano' un teatro comprometido con el cambio societal, y que para lograrlo trata de lograr que el público piense en la posibilidad del cambio de la realidad presente, dejando de pensar que las cosas son como son, y siempre serán así.
Para Brecht, el público ideal no era aquel que se pasaba la obra sentado en el filo del asiento, atento a qué sería lo que iba a pasar luego, dentro de la historia. Su público ideal miraba la obra reclinado en su asiento, cigarrillo en mano, reflexionando intelectualmente sobre lo que estaba viendo. Y eso que estaba viendo era, claro, una demostración de que la realidad no es inconmovible, sino cambiante y modificable. La percepción fría de las realidades cambiables que el escenario mostraba, habrían de impulsar al público a la acción, no por la vía de la emoción sino de la reflexión. El interés del público en la obra habría de derivarse de su interés en pensar, en aprender y en cambiar las cosas, y no de su deleite al sentir, emocionarse, y compartir vicisitudes con los personajes. Dentro de estos criterios fue escrita su obra maestra Madre Coraje.
Ahora bien: la verdad es que, de no ser por los momentos y escenas anti-brechtianos de esta obra, vale decir por los momentos aristotélicos que contiene el texto de Madre Coraje, nada hubiera salvado a esta pieza del olvido. Completa la paradoja del éxito mundial y permanente de Coraje que esas escenas, plenas de sentimiento y de compromiso del público por lo que pasará en la historia, fueron escritas por Brecht para hacer reflexionar, y no para hacer sentir. Un ejemplo más de cómo las intenciones artísticas no bastan, ni siquiera en manos de un Bertolt Brecht.
La pieza es por cierto larga, episódica, y sin meta argumental concreta de largo plazo, vale decir con una Acción Dramática blanda, que podría ser "sobrevivir por la guerra", o algo así. Esta acción es blanda porque no propone un evento final. Entendemos por Acción Dramática Dura algo como "matar al rey", que propone un evento concreto final, la muerte del rey.
La Acción Dramática Dura produce interés argumental. Estamos pendientes de qué es lo que va a pasar ahora, dentro de un encadenamiento de causa y efecto. La Acción Dramática Blanda es consustancial a la teoría brechtiana --de allí que Brecht lo llame Teatro Épico, vale decir teatro narrativo.
La Acción Dramática Blanda causa, por supuesto, menos interés argumental que la Dura. Por eso Brecht usa, por lo general, este tipo de Acción. También es cierto que las obras de Brecht son, en su conjunto, tan interesantes y cautivantes como su Acción Dramática Blanda lo permite.
Pero --aquí está la contradicción-- escena por escena, evento por evento (por inconexos que estos sean unos de otros) sus eventos (sus escenas) son interesantes, a la manera más aristotélica posible.
Coraje quiere medrar de la guerra preservando a sus tres hijos de la guerra (esta sería su blanda Acción Dramática). Obviamente los pierde, uno a uno. Dos mueren por culpa de ella, y la escena en la que Coraje reconoce el cadáver de su hijo Queso Suizo es maravillosa y totalmente emotiva a la manera más aristotélica imaginable. Coraje tiene que ocultar su dolor para no ser ella misma fusilada. Demás está decir que el efecto es profundamente emotivo y totalmente aristotélico, también gracias a varios magistrales hallazgos actorales de Teresa Ralli .
Por otro lado, la escena en la que Kattrin, la maternal y tierna hija muda --qué efecto tan sentimental es el impedimento físico-- se inmola para salvar de la destrucción a un pueblo indefenso está particularmente bien resuelta por Ísola, y es espeluznantemente emotiva también a la manera más aristotélica imaginable: es emotiva 'cumpliendo la receta', por así decirlo.
Los ingredientes principales de la receta aristotélica para infundir emoción son tres: 1) alto riesgo (en este caso la muerte de la propia Kattrin), 2) personaje amable (una mudita con instintos maternales), y 3) causa noble (salvar a todo un pueblo de la muerte). ¿Hay acaso forma de enfriar brechtianamente al espectador que mira esta escena? ¡Vamos, vamos, viejo Bertolt, ni tú, en vida, pudiste lograrlo! Y por ello, y sabiamente, Ísola ni siquiera lo intenta, alcanzando (por cierto con una magistral Alejandra Guerra en el papel) una de las escenas más emocionantes vistas en Lima durante la presente temporada.
Es también muy emotivo --y antibrechtiano-- el final heroico de Coraje, y por esto mismo contrario a las intenciones (teóricas) del autor. Él siempre quiso que el público tuviera a Coraje como una bruta angurrienta que pierde a sus hijos de puro oportunista y guerrerista. Pero lo que Brecht logra es una fuerte solidaridad del público con ella: el público le perdona, o por lo menos excusa, la muerte de sus hijos (muertos por su angurria) porque la admira mucho cuando, sobreponiéndose a su pena, y ya sin otro modo de supervivencia, se unce a su propio vehículo para continuar su camino aprovechándose de la guerra. 'No ha aprendido nada y por eso hay que odiarla', nos quería hacer pensar el autor. 'No ha aprendido nada pero es muy valiente y la admiro' es lo que la mayoría del público del Británico probablemente sienta --contrariamente a las intenciones del autor, pero no del director.
Por otro lado, Ísola ha sabido cuáles 'efectos de distanciamiento' usar. No elimina las canciones, pese a que sólo vienen al caso temáticamente (yo no sé si las hubiera mantenido). Pero Ísola sabiamente no anuncia, como manda Brecht, el desenlace de cada escena antes de que la escena se inicie --efecto calculado por Brecht para que el público no esté pendiente del desenlace de la escena, sino que más bien reflexione sobre su devenir.
Una típica información brechtiana de este tipo es algo como: Madre Coraje es tomada prisionera. Su hija y su carromato se salvan, pero su hijo muere.
Sabiendo que Coraje va a morir, Brecht cree que sólo vamos a interesarnos en presenciar, muy objetivamente, cómo, por qué, para qué, y por culpa de quién muere. Lo que no tuvo en cuenta el genial dramaturgo y mal teórico alemán, es nuestra infinita capacidad para volver a emocionarnos con el desenlace de una película que vemos por décima vez.
La escena del reconocimiento del cadáver del hijo menor, en manos de la inmensa Teresa Ralli, y aquella escena final de Kattrin, maravillosamente realizada por Alejandra Guerra, y el casi monólogo del Cocinero, por el magistral Bruno Odar, son de lo más emotivamente memorable del año. Y qué más les puedo decir.
¿Es que Brecht en realidad, y a pesar suyo. estaba contando su historia a la manera aristotélica? Pero por supuesto. Cuando las papas queman, no hay otra forma de contar una historia. Y para Brecht, y para muchos de nosotros, de eso se trata siempre.
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